写在前面：关于问题描述的一些解释
问题和问题描述涉及的其实是不同的问题。艺术品的艺术价值和其市场价值一定是相关的，但是不一定意味着这种关联可以在一个很短的时间内显现出来。
就比如梵高的作品从一文不值到开始被众所周知走过了二十年的时间，而巴赫从不被重视到被视为“西方音乐之父”已经过去一百年了。也就是说从投资和艺术史的关系来讲，即使在你开了天眼了解艺术史会把谁推上神坛，也不意味着你可以在你的有生之年可以利用你的天眼赚到钱。有时候，可能需要你三代开天眼才可以。
因为从收藏市场的角度考虑，有很多藏品（不一定是艺术品）都是因为老人去世，子孙不懂，而以低价流入市场的。
这个问题不展开说，以下是正题。
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什么能够决定艺术家是否留在艺术史
（一）艺术史有多少种？
基本上在中国美院的教学体系下，每个学美术的学生都要学两套美术史，一套是西方美术史，一套是中国美术史。只是读教材你就会发现，西方美术史和中国美术史完全是两套行文逻辑。在西方美术史中，文明，宗教，经济，是驱动美术发展的巨大动力。而对于中国来说，中式的哲学和人文思想的演进，形成了驱动中国美术发展的主要诱因。
限于篇幅，这里不再展开谈。但是显然，在提及艺术史问题的时候，我们应该意识到，在东方和西方，不同地域的艺术史的准入规则是存在一定差异的。
（二）通用的法则
既然艺术的门类特别多，东西方的艺术史观念也根本不同，那么有没有一个比较通用的，凌驾于艺术门类之上的方式去判断艺术家，或者艺术作品能够留在艺术史上呢？
最通用的一条，就是运气。但是也唯独运气这条，我们无法多说。
除了运气之外，在我的实践过程中，我认为还是可以总结出一些诸如这样的规律的。这样的规律未必是”放之四海皆准“，但也确实可以评价一些艺术史中的关键作品。我把规律总结为以下三条：
1、创建了一种新的风格/方法/技术。
2、将原有的风格/方法/技术做到了极致。
3、留下了重要的/全新的创作方法论。
下面我们分别来说说这三个标准。
（三）创建了一种新的风格/方法/技术
艺术史上有很多众人皆知的技术推动艺术演进的例子。比如说当照相机产生对西方传统绘画产生了极大地冲击。画的再像，也不如照的像。于是当时的画家就开始思考，绘画除了”画得像“以外的意义。于是才有了马奈，毕沙罗，莫奈，梵高等一大堆印象派画家，这个事情大家很熟悉了，我就不再这里展开了。
值得注意的是，在此后的几十年，西方美术一直在重视形式上的创新。
就比如杜尚的《泉》，这是一件非常重要的作品。
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