画国画的基本是什么？

Question

如题所述

Answer 1

中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥 于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不 似之间”的感觉。中国画有着自己独特的特征，表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按 照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层 层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言， 用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意 境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方 法进行综合的运用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。 而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金 律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情 趣。中国画不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使 立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或 多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图 》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的 “虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近 处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如 果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和 艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表 现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力 轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是 用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点 、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在 于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如 用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有 浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具 及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差 异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被 当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。 中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不 变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。 以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式 也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀， 吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本 特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系 ，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和 辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。 二、 执笔 执笔式： 中国画的执笔法。是用四指着笔，小指不着笔而附于无名指的后面，与油画的执向笔和素描的执铅笔不 同。油画笔和 枕腕、悬腕、悬肘 铅笔都是用三指着笔的。为什么用四指而不用三指着笔呢？一个原因是中国画所用的毛笔是锥状体，四指着笔时，笔管下垂，国 画多用中锋，而向下垂直的笔锋，恰好容易出现中锋。而三指着笔，叮出现偏锋，象油画及铅笔画，还 需要使用偏锋，可见执笔决定于画种是什么。另方面，国画与拓法有密切之关系。国画强调用线及写法，因此画法及书法用笔有相通之处，所以一般 国画常常称作写而少称作画。握管执笔的高低，要责所画的是工笔还是写意。工笔画执笔则要偏低，写意画执笔则要高，而且要悬肘 运笔。篇幅不大的小写意画，多采用悬腕运笔即叮。一般笔管五、六寸长时．工笔画不能低于离笔管最 下一寸的地方，写意可在二寸至三寸的地方，因为写意画的运动速度比较大一些。枕腕在作工致的人物画、或画人物的面部五富细微处，必须枕着碗来画，即把腕靠手桌面 上，这样指头也得 以稳定，以描绘其精细处。 悬腕与悬肘： 悬脱是把手腕的部位离开桌面而是起来，其旋转的幅度比枕腕大，运动的轴心转到了肘部。一般画较大 篇幅时，是立在案前画的，这样就是悬肘作画．运动的轴心在肩，旋转度又大于悬腕。就一张画讲，常常有一些地方写意，需要站着悬财画，而有一些点景处，如房屋、舟车、人物就要坐画 ，有的还需要枕腕来画。而画写意的花卉、兰竹等作品时，常常是悬肘站画，一气呵成，可得挥洒自如 ，随手应心之妙。清石涛《画语录》："画受墨，果受笔，笔受腕，腕受心。"'初学者，笔不应心，悬腕 和悬肘，要经过一定时间的训练，逐步做到纸、笔、心、手相一致。 三、立意 意存笔先： "意存笔九，画尽意在"一语，出于唐代张彦远《历代名画记》．是他赞扬顾恺之的人物画所作的评语说 明画者的意图，包括着主题的构思，形象的刻划，笔墨的运用，在动笔之光，已经都考虑成熟，这样在 落笔时才可以脱颖而出，画作完了，画者精密而深透的意图在画上也永存下来了。这句话还说明构思一 经成熟，下笔后才能“意在笔先”，“不滞于手，不凝户心一”，"画尽意在，象应神全"。胸有成竹宋代苏东坡看到文与可所画的竹子，十分赞扬，他分析其竹画得好的原因是"故画竹先得成竹于胸中"。 这句话和意存笔先一样，成为我国的两句名言，既可以指导绘画，也可以指导人们的其它行动。中国画 所凭借的材料是毛笔和宣纸，假定没有成竹在胸，用笔稍存迟疑停滞，就会造成笔致气韵不调畅，水墨 溢出，如立意未周，又会使意境不显豁，便会影响观画者领会作画者的主旨所在。 宋文同墨竹 意境： 作画应有引人入胜的意境，而画中意境不是任何画家都能达到的。其原因是画家笔下所表现多是一般的 境，没有强烈的感染力，没有使人历久难忘之境。意境是艺术化了的境界，比现实更吸引人，更具备理想的高度。作者通过对自然与人物的加工，把观者 从画外引入画内，再从画内引到画外，启发了人们无穷的回味，抒发隽永的通思。做到这一点，一方面 依靠作者本身的修养，另一方面能否在生活中发现最具有画意的契机，也是非常重要的。意匠脑子中对画意有了初步的腹稿，到表现在画面上，并非可以一激而就的，这其间还要经过一番意匠的功 夫，即过去所说的惨澹经营。（唐代杜甫诗《丹青行赠曹将军副："意匠惨法经营中"。）意匠是加工手 段，从初步设计到剪裁组织，包括布局安排，笔墨效果等，也都要经营周密。可见如果有了好的意境， 没有充分的意匠经营，还不见得可以达到成功，而经过意匠经营的，即使未能达到予湖之效果，经过了 这一反复，也会比初作逐步完善起来。 南宋 梁楷 李白行吟 迁想妙得： 顾恺之这句原话是"不待迁想妙得也"，意思是善于传神，可不必依靠想象联想而得到。但从前人记述中 ，顾消之的画，正是善于发挥迁想妙得之妙用的，他只是说运用到精熟的程度时，可以灵活的运用，达 到不期而自得的程度。在这里顾他之使用了"迁想"两个字，对艺术的思考是非常重要的，原因在于，艺术的升华，就是来自基 于生活的想象和联想，这一联想越丰富越广阔越好，这样才能使内容和思想性开拓得更为深还。宋代画家李公磷，画李广射追骑，引箭未发而人已堕马。黄庭坚对他的构思十分赞赏，认为这样更可表 现李广的英威，而有先声夺人之妙。宋代画家梁楷所画的《李自行吟图》．他并未见过李白其人，他从 生活中接触到的诗人为印象．再从李白的诗句和生平发挥其联想．他抓住了李白灵感突来的瞬间．真可 与罗丹所塑造的《巴尔扎克雕像》相媲美、这幅作品我曾在日本东京博物馆数次观赏过。无论从李白的 气质和用笔之简练、墨气之灵活淡雅上看来，都是属于表现李白画像中的第一流作品。 借墨如金"李成作画，借墨如金"。此语出自《古今名画记》。这句话遂成了褒扬落墨认真的一句赞语。作画应该 态度认真，要做到象唐代书法家孙过庭所说的"翰不虚动，动必有由"。好的画要做到笔少意多，用简练 的笔墨，表现出丰富的画意来。据《图绘宝鉴》记载：'郭信善山水，得李成惜墨法，气象清旷。"则又 从“泼墨法”发展为用淡墨破染的“惜墨法”了。 四、用墨 水墨画： 《清代张庚帼朝画征录》说"画．绘事也，古来无不着色，且多青绿金粉，自王洽泼墨后，北苑继之，方向 水墨"。可见国画中有一种单用水墨而不用色彩作画的形式，是从唐代中期开始的，这大概与一些唐代画 家开始追求恬淡的画境与适于发挥水墨效果的纸张发展有关。在宣纸上调剂燥湿浓淡比在绢上方便，用 微妙的墨色变化，无论湿笔点染或干笔被擦，部叮表达画家的襟怀清致。象宋代的山水画家米诺；人物 画家梁楷等，已经把水墨的效能，发挥到相当的高度。宋元以 唐 王维 雪溪（传） 来，水墨画几乎占据门馊位置，不断开辟着水墨艺术的新领域，电彩画反而处于次要的位置。水墨画时能起于既批山水诗人又批画家的王维，托名为王维所作的《山水决》中说：·'夫画道之中，水 墨最为上，肇自然之性，成造化之功"。即以水墨画作为表现自然最得心应下，又最理鳗而高尚的形式。水墨与颜色相比，可收到多姿多采的墨趣，其层次之乡和意外之变化都是任何色彩所难F凑效的，所以张 彦远认为，""玄化无言，神工独运。草木敷荣，不待丹绿之彩"。又说，'金故运墨两五色具，谓之得意 ；意在五色，则物象乖岁。因此前人“墨为诸色之母" 严格讲，既称水墨画，应是一点颜色也不着的山水，花鸟画，象米芾的山水和徐渭的花卉等，在古人的 作品中，极为多见。但也有略施淡彩的中阿画，人们也概称之为水墨画的。学习水墨画的重唤例；极为 明显，因为相对来说，设色在国画制作上．终归处属于辅助的手段，很难想象，没有坚实的笔墨垠本功 ．而单凭色彩会成为一个典型中国画家的。即使从＿11笔重彩画家，也应精深手笔墨之变化，在此基础 上，追求颜色之变化，尤其在学习的步骤上，应以先采币J后八逐步入手为宜。 墨分五色国画传统上有墨分五色之说："'运墨内五色具"。主要是说明墨的从浓到谈有五个色阶的差别。像吉了1 、2、3、4、5、6、7七音控节寻声，形成整个音如一样．这样才能浓淡分明，画出色调层次，不过墨的 音符从靠水来调节罢人过去对墨的五色，意见很不一致，现列表如下，供读者参考： 第一说 黑浓湿干淡 第二说 浓宿焦退埃 第三说 焦浓重淡清 第四说 浓 次浓 淡 次淡 最淡 还有用墨，浓、湿、干、淡、白作为墨的大彩。五色是概数，是形容层次多的意思，所以不要拘于怎样 办法，我们只要认识到用墨由浓到谈要有墨色层次就行了。 墨的变化实际上就是水的变化，墨的干湿度也就是水的干湿。所以画什么效果，当没有把握时，最好通 过试纸试一下再画，这样实践久了，就能做到心中有数，为了掌握果法之变化，亦盯试做各种浓淡干湿 的练习，以对笔头的水份能够控制自如。
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Answer 2

白描 是中国画中完全用线条来表现物象的画法。有 单勾 和 复勾(双勾) 两种。以线一次勾成为单勾，有用一色墨，亦有根据不同对象用浓淡两种墨勾成。复勾则光以淡墨勾成，再根据情况复勾部分或全部，其线并非依原路刻板复迭一次，其目的是为加重质感和浓淡变化，使物像更具神采。复勾线必须流畅自然，否则易呆板。物象之形、神、光、色、体积、质感等均以线条表现，难度很大。因取舍力求单纯，对虚实、疏密关系刻意对比，故而白描有朴素简洁、概括明确的特点。中国古代有许多白描大师，如顾恺之、李公麟等都取得了突出成就。白描多见于人物画和花鸟画。 (一）单勾：用同一墨色的线勾描整幅画的叫一色单勾。用浓淡不同墨色勾成的，如用淡墨勾花，浓墨勾叶叫浓淡单勾。要求线描准确流畅、生动、笔意连贯。 （二）复勾：先以浓墨全部勾好，再以浓墨对局部或全部进行勾勒叫复勾，多以加强所描物象的精神和质感。