有些艺术作品看起来非常的丑陋，是它的艺术手法或艺术形式与常见的不同，并不代表说表达的就是丑陋的一面，或者说有些时候我们反而需要丑陋才能衬托出美好，我们需要揭示丑陋，才能让人们更加深刻的认识到自己的错误。
比如经常喜欢去看艺术展的人可能都会发现有些作品，但从表面上来看是没有美感的，比如说利用垃圾制作的一些艺术品等等，或者利用塑料袋制作的风景画，其实这就是在讽刺人类对环境的破坏已经让原有的生态系统受到了极大的损伤，也许有一天我们只能用塑料作品才能重现当时的风貌了。
在这样的一些艺术作品中，虽然表现的并不怎么好看，但实际上还是为了表达真善美，为了呼吁让大家爱护环境，珍惜自然资源。
我觉得艺术的形式有千种百种，有的时候我们未必看得懂，但不必因此就去否认它。因为你有你的看法，别人有别人的看法，所有人的意见是无法做到完全统一的，我们只能求同存异，对和自己不同的看法表达尊重和理解就可以了。
艺术形式同样是如此，也许有的人认为非常丑陋的，另一些人却觉得很可爱，这也是正常的情况，观看艺术作品的乐趣也正在此。有1000个读者就会有1000个哈姆雷特，如果大家都是千篇一律的同一个观点，那么岂不是一点争论的乐趣都没有了，那艺术也就不能称之为艺术了。大文豪莎士比亚的作品尚且如此，那么普通的艺术，又怎么能避免这一点呢？
没有丑怎么显示美，丑是为美做铺垫.
因此，评判艺术中的美与丑，已不能单纯用生活中的美丑来定义，而是要更多一个层次。评判一个艺术作品的好坏美丑，是要看这件作品是否能真实准确地再现了事物的原貌或原气氛，并且真实准确地表达了作者的感情。为了美化某人或某物，虚假地修饰而改变了真实，这种艺术品一向被作为批评的代表。
罗丹的雕塑《老妓》，这是被称为“丑得如此精美”的艺术典型。这是罗丹根据法国诗人维龙的诗《美丽的欧米哀尔》而塑成的。欧米哀尔年轻时曾红极一时，而老年时处境凄惨。在罗丹的艺术创造下，这个老妓弯着腰，驼着背，她的绝望的目光，两乳干瘪的胸膛，干藤条般的手臂，满是皱纹的肚皮，松弛无力的肌肤，骷髅般的躯干……都显出可怕的衰老。可以说是种种衰老集于一身。据说，不少女观众看了这尊雕像，都用手把眼睛捂住，连声叫道：“太丑了！太丑了！”
然而，《老妓》又是一尊具有极高审美价值的艺术珍品。这是因为《老妓》丑的外形，是艺术化、典型化了的丑，它真实深切地表现了她那愁苦、悲哀、绝望的心情，那些扭曲的线条，也互相和谐地融化在她的身上，生动显现出老妓的干瘪、颤栗、僵硬，引起人们心灵的震撼和恐惧。那吃人的社会吮吸干了一个美丽善良的妇女的血肉，吞噬了她的青春，然后丢弃了她。罗丹通过这一艺术形象，表达了他对那个吃人社会中被侮辱与被损害者的同情，使它成为那个时代吃人制度的一面镜子。于是，人们同情她怜悯她，更加痛恨那丑恶的社会，引起人们对美的怀恋、热爱和向往。
艺术的核心是表达。
美，则是一种标准（尽管这种标准非常主观。)
从这个角度来看，两者是两条目的地完全不同的道路，只是有很多地方会交叉重复。
先说艺术。
艺术和技术并不相同，它的本质是非实用性的。
相信很多人都曾有过这样的疑问：同样是画画，为什么有的画家是工匠，有的却是艺术大师呢？
区别就在于，大师们并不局限于绘画技术本身，而把重点放在表达情绪和探索更多的可能性上。
这副毕加索很出名的画，可以大概说明这一点。最后那张几根线条构成的极其简练的牛的形象，看起来像是随手画的，但却被所以被称为艺术品，并不是因为画法技巧很厉害。从这幅画最终诞生的整个过程，能很清楚的看出，毕加索是想探索“哪些才是一件事物的本质，即使抛开了其他部分，只要这些画出来，它依然能够让人一眼认出”。并得到了确切的结果，带来了绘画思路上的巨大突破。
因此，我们现在可以理解，为什么许多艺术品（不光是绘画，还包括但不限于雕塑、书法、音乐、文学）本身看起来很一般，却受到专业人士的称赞。不光是作品本身，还在于它背后，创作者想要传递的想法和情绪，突破、创新、引起共鸣，这才是艺术真正的价值，
“为什么这幅画这么难看却会成为经典？”“为什么这张照片那么无聊却能卖出创纪录的价格？”“为什么这首三十年前的歌听起来很一般，却被称为流行乐的经典？”“为什么这本小说我看不懂，却能获得诺贝尔文学奖？”
这些问题我们在生活中经常能听到，甚至自己遇到，归根结底是因为：艺术，是有鉴赏门槛的。
如果我们没有相应的专业知识，那么是无法理解这种艺术的价值。只能从美的角度来理解，所以才会引发上面的问题。
这也恰好说明了，艺术的真正目的，并不是“美”，而只是有许多艺术品，恰好也拥有“美”的属性。
我们再来说说，“美”这个概念。
美是一种很主观的判断。不同人的审美观差异极大，比如同样是诗词，有的人觉得“五花马，千金裘，呼儿将出换美酒”是最美的。但也有人觉得“当时明月在，曾照彩云归”这样的词句才是最美的。
有时候，人们之间的审美差异，会大到犹如无法逾越的鸿沟。而更多时候，同一个人的审美，随着自己的成长和经历，也是会发生变化。
从另一个角度来说，美的东西，并不一定是艺术。比如早晨的雾气、城市的灯火、爱人的微笑、甚至街边的小狗，都能在一瞬间带给你美的冲击，但只有当艺术家把这些素材，带入自己的思考，以某种形式表达出来，它才能变成艺术品（比如视角独特震撼的城市远景照片、由一只小狗萌发的念头变成一篇经典小说等等）。
比如，一块石头，本身没有任何意义。但当你觉得它的形状很美，那么就赋予了它“美”的属性。只是这种属性是很私人的，因为别人可能并不会觉得这块石头是美的。
最后总结一下：
艺术，是被人创造出来的。它存在的意义，是人类借助它传达一些难以用其他方式表达的情绪和思想。不同的艺术都有着鉴赏的门槛，美只是有时候艺术附带的产物。（比如一行精妙绝伦的代码，或者一则伟大的数学公式，在专业人士眼中无疑是艺术的表现，并且是非常美的。但在普通人眼中它们是枯燥没有意义的，既不明白为什么这是艺术，同时也看不出它美在哪里。）
美则是完全主观的，存在于生活中的各个方面。并不只是艺术品上会有美的存在，只是作为人类文明的精髓，在各种艺术中，美出现的几率非常大。也正因为如此，人们容易把它和艺术混淆起来。
艺术家的灵感都源自他们的生活，他们的经历，或者是一些奇思妙想，我们无法用“美”和“丑”来形容，艺术作品都是靠的独特之处，抽象的作品，不能说它丑，它们都能给人一种独特的感觉。我觉得呢，美丑是看自己审美观，艺术家的审美观往往和常人不同，他们有这自己独特的想法，我们都需要尊重。
这些照片都是一位办公室艺术家的作品。
这是两堆书中的一位少年迎接着朝阳
樱花树下的中学生
很温馨的圣诞老人图
栗子：
在我看来这幅毕加索的话根本丑的不能看。我不脸红地直接说了。有人在美的观念上认同我吗？
Martin Fox
很多很好的答案。当代艺术家总是挑战关于美是什么以及什么值得画和看的先入之见。
当然题主不认为这幅画美这无关紧要，品味是主观的东西。但是我要强调一个概念那就是美并不总是艺术的目标，甚至现代主义以前的艺术家就这么认为了。具象现实主义也不认为美总是艺术的目标。
我恰好认为毕加索的画(Le Rêve, or The Dream, 1932)非常美。下面我会把它贴出来。我喜欢这种用一系列弯曲的形状和大胆的色彩来简化他的模特的身体的方式
，这种形状和色彩同时又干脆并且暗示出一种奢靡。他创造出来的形状间的和谐的观感真地让我感到compelling【用什么词好捏？】，我不得不被吸引去将模特体形的曲线、裹着她的扶手椅和房间的样式对比。这些形状和线条看起来非常和谐，因为它们会用另一种形式重复（她头发的形状，跟椅子左边部分的形状相勾搭【play off，我觉得用勾搭这个词很合适】，项链的形状和手臂的线条相勾搭）。我喜欢毕加索用简单的各种宽度和颜色的线条把各种简单的形状的轮廓隔开的方式。还喜欢他只是用三种主色调，而不用传统的渐变的色调层次，来展示模特的形体。
让我们来看看传统的描绘坐着的女人的绘画方式。这是法国艺术家安格尔1856年的作品。这是Moitessier夫人的画像。我认为它也非常漂亮，但是我欣赏的角度就不是以上的那些方面。安格尔努力用难以置信的色调间的流畅过渡，以及大量微小细节，来将现实的细节都反映在肖像画上。右边的镜子把她的侧脸镜像展现出来，这是种创造性的构图方式。还有虽然背景很复杂但在色调上被压制所以我们会把注意力集中在她身上。
哪一种更美？对我来说，这取决于我的心情。我欣赏创作这些画的技能以及试图找出新的思考和看的方式的想法。它们来自不同的时代，不一样的时代关于艺术应该是怎样有不同的期望，这本身对我也是件非常有趣的事。谁知道？——也许毕加索在画他的画的时候脑海里已经有一幅安格尔的画了。
Marcus Geduld
正如很多人提到的，当代艺术的一个定义性特征【defining featur