西方经典艺术的特点是什么？

Question

能够举例(1-2)个，然后对他们谈谈理解，同时将西方经典艺术的特点写出 。 谢谢 各位朋友了。下周2要交作业呀，虽然是公选课 但还是不能写的太差了，求助各位了。

Answer 1

西方式插花具有西方艺术的特色。它的造型较整齐,多以几何图形构图,讲究对称与平衡,色彩浓烈,用材较多,插作繁密。所选花材有一定礼仪含义.西洋式插花的花色通常艳丽明快,花型规整。西式插花的特点之一是用花量大,色彩丰富。

西方插花的原则和艺术特点
西方插花讲究几何造型，下面就均衡、调和、韵律和意境四个方面探讨它的原则和艺术特点：
（一）均衡
均衡即作品的稳定感，有对称均衡和不对称均衡之分。因为西方插花是规则的几何构图，所以均衡问题很容易解决。为达到均衡常用方法有：
1、将主调花材对称均匀地分布在整个构图上，达到均衡的效果；
2、构图中心部分花材采用花大、色深、排列密、质地厚的花朵，边缘用花材与中心部分相反，这样便突出了主题及重心，达到构图的均衡。
由于西方插花花材用量多，易形成头重脚轻而失去均衡感。故常使用体积较大，质地厚重的广口容器，如陶瓷、金属材料等。大堆头插花和餐桌插花常常利用在中、下部插几朵大花或在基部插一些丝状，穗状叶片等附属物（如松柏类）。利用附属物的自然、飘逸来突出重点，达到均衡、稳定的效果。
（二）调和
调和既有对比又有变化，给人以和谐统一感。插花的调和包括花材之间，花材与花器之间，作品与环境之间等等，这里主要探讨花材之间的调和问题，影响花材调和的主要因素是形和色，其中以色为主，主要有以下四种手法：
1、用同色的同一种花材，色彩上变化不大，仅形状和大小有变化，无对比可言，自然就达到了调和。
2、花材用色调和色相相近的材料，形状上有一定的变化或相近，如红色和粉色，在色彩上自然是调和的。常采用同一种花相对集中和逐渐过渡来解决。
3、形状相同、颜色上使用对比色、如红与白、绿与红、黄与紫等。如构图中两种颜色花材相对均匀布置，或一种颜色相对集中，如亮黄色集中到中部，向外逐渐过渡为紫色，使两种颜色在对比中达到调和。
4、花材无论颜色还是形状都有较大变化，这种情况往往出现在大堆头式插花中。此类作品采取调和的方法是：首先以形和色相协调的较大型花材为主体，数量上占优势。插制时又使其占据主要位置，并分布于构图的各部分，再用白色加以调和。借用丝带，金、银色容器等也有助于调和。
（三）韵律
韵律即有组织有节奏的变化，主要是形和色的变化。西方插花（尤其是大堆头式插花）作品无论在形状和色彩上都要有一批主花（焦点花），然后再配2、3级花（线条花）及配料（补花）。错落有致、层次分明的逐一插制，体现出静中有动、主次分明的韵律。
（四）意境
西方插花直接热烈地表达人们的感情世界。如母亲节用香石竹，复活节用百合花，表达爱情用红玫瑰，月桂枝代表胜利，橄榄枝代表和平等。圣诞节人们都喜欢用一品红为主花、配以绿色的松枝、冬青叶，白色的香石竹和红色的果实，体现出圣诞节火热欢快气氛。

西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。随着夸张变形的创作方法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也必然难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。

绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人，被称为文人画家的画家，首先应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能，所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。一个人开始动笔作画总有某种原因，对周围的事物表明态度、状物或者抒情，在特定的空间里写出自己目光之所见，在画面上留下物象的身影，甚至也可能就是一种无意识的摹仿，在笔墨的挥洒和折转间，反照和叠变着通向人生的玄思，通向自然万物的情怀。状态出神、联想自由，入神处都在意识的边缘进行，线与面的旋律动向不易料测，时有惊喜的跳跃，皆合心律，最终获得如有神助，不期而遇的回响，成为一个个色彩篇章生命的凝定，冲击着每一位欣赏者的心灵。
中国画往往只是寥寥数笔，但是从这幅画面上你能读到的东西，那可是太多了。所以就像刚才于教授说的，在中国绘画当中，我们指的是真正的中国绘画，有中国文化神韵的中国绘画，你真的可以读出所有东方文化艺术的精要。

Answer 2

中西方艺术差异的比较

　　要谈中西方艺术的差异，首先必须分析中西艺术的各自特点。我个人认为，艺术作为一种人性的表现方式，它的主体是人，是人作用于客观事物而产生的行为。因此，要谈艺术的差异，必须首先从的人的差异入手，而这里就牵涉到中西方的文化差异。文化差异造成人的认识上的差异，而艺术创作的主体是人，因此，人的意识差异便导致了艺术的差异。
　　先从古希腊谈起，这是西方艺术创作中的一个代表时期。中国在当时，正是儒家思想产生并盛行的时期。这也是比较中西文化一个比较有代表性的时间起点。谈到艺术，必然要谈到文化。中国人历来都是以含蓄为美，这是中国人的美德，也是一种文明，是属于人性的东西。而西方人则恰恰相反，他们在一些行为举止上面往往都表现得十分直接，西方人打招呼喜欢拥抱、接吻就是很好的证明，他们不像中国人异性之间握个手都觉得有点像在耍流氓。这是中西方文化上的差异，人作为这种文化产生的主体，表现出了这样的外在行为特征的差异。而艺术作为人作用于客观事物的表现手法，它是直接反映人的主观意识的。通过人的感观认识客观事物，获得最初概念，再经过人的主观意识对客观事物进行再认识，最后结合了各自独特的表达方式，对客观事物进行二度创造。这就是艺术形成的过程，这个过程是客观事物与人的主观意识的结合，达到完美，产生艺术。艺术可以说是一种概念，是人们对艺术家创作的认同。艺术之所以成为艺术，也恰恰是它符合了人性的特点，不在单纯地表现客观事物本身，它是结合了人对客观事物的看法，从人性的角度表达客观事物。而这种表达，往往是和艺术家的个人思维方式相关联，所以，才造成了艺术差异性的存在。这里要谈中西方艺术的差异性更需要从文化的角度去看，去思考人性特点的差异。
　　前面谈到的中国人含蓄，西方人直接，这是中西方艺术在表现形式上最大的差异。让我们再把时间追溯到古希腊时期，当时西方的大部分建筑、雕塑、油画等等的艺术作品中，我们可以很相似地找到艺术家们所喜欢的一个认识客观——人体。在西方建筑雕塑中，人体作为认识客体，被认为是一种美，而一再地被歌颂着，直到今天艺术家们追求的都是一种更加直接的方式去表达人体的美，因此在西方的艺术表现中，他们的艺术风格是更为直接的。人体艺术是近代才传入中国的，至今还是很难被国人接受。当然，这里举人体艺术只是一个例子来证明，中西方艺术特点的差异。中国艺术中讲究一种意境美，它是朦胧的抒情的，往往更多的是在表达艺术家的主观意识本身，客观事物仅仅是表达的载体，比如诗歌，文字和语言都是载体，而艺术家融入了个人的感情，表现出来了。中国艺术的含蓄特点，我们可以从中国的国画作品中找到证据，有人说国画其实是在写诗，这点我很赞同，它和中国古诗一样讲究一种意境美，它们更侧重于表达作者的意识。国画不像西方油画那么直接生动地去描写，它的风格较为含蓄，往往是加入个人感情因素，化静为动，变动为静，在花虫草木中寻求情感寄托，重在借助客观事物含蓄委婉地表达个人感情。比如古诗词中的一段“感时花溅泪，恨别鸟惊心。”花不会溅泪，鸟也不会惊心，不过是诗人把自己的感情转移到了所认识的客观物体上面，是一种含蓄的表现手法，关乎的是一种意境。而西方艺术则更偏中直接去赞美客观事物，他们更关心美的存在形式，偏重表现认识客体，而不在于表现认识的主体——人的情感因素。当然，当情感作为了认识的客体，他们就会充分地去关注并且表达它，就此，我想举贝多芬这位伟大的艺术家，他的艺术作品《命运》就是一个很好的例子，它所表现的客体是贝多芬个人的感情，所以表现得十分到位，令人惊叹！就单纯的排除人的感情作为认识客体来谈，西方艺术家是更在乎如何更加生动地表现客体本身的，不同的也只是在表现手法上的不同，内容是一致的。这是与中国艺术一个很大的区别，而这样的区别完全来自于中西方的文化差异。本回答被网友采纳