1、 情绪的对比：
古典主义时期的音乐，情绪的丰富变化和对比获得了全新的强调。相对于晚期巴洛克音乐中单一情感的表达，古典主义作品中的情绪波动起伏。戏剧性、不稳定的音乐，可能导向一段轻快随意的舞曲旋律。主题的对比不仅表现在同一乐章中使用具对比性的不同主题，即使是一个单一特定的主题内，也可能存在明显的对比。
2、 节奏：
节奏的灵活性，给古典主义音乐增添了变化。古典作品包含了丰富的节奏模式，不同于巴洛克乐曲只有少数的节奏模式在全曲中反复出现。巴洛克作品表达出连续的感觉和永恒的运动。因此，在开始几小节之后观众就能大概知道整个乐章的节奏特性。但古典主义风格包括了出其不意的停顿、切分音，以及从长音到短音的频繁转换。而从一种长度的音符模式到另一种的改变，可能是突然的也可能是渐进式的。
3、 织体：
与晚期巴洛克音乐的复调织体相比，古典主义音乐基本上属于主调音乐。然而，织体的运用与节奏一样灵活，织体之间的转换有时平稳有时突然。一首作品也许以一条旋律和简单的伴奏组成的主调织体开始，但是随后可能转变为复杂的复调织体，含有两个旋律或旋律片断在不同乐器间模仿。
4、 旋律：
古典时期的旋律悦耳动听，且容易记忆。即使在一首非常复杂的作品中，也可能含有民谣或通俗的感觉，有时作曲家也会直接借用一些通俗的曲调。（如莫扎特以法国歌曲《哦！妈妈请告诉我》的旋律为主题，写了一首钢琴变奏曲《小星星亮晶晶》。）更多时候，作曲家根据流行的风格创作新的主题。
古典主义音乐的旋律听起来较为平衡与对称，因为作品通常由两个长度相同的乐句构成。第二个乐句的开头与第一个乐句类似，但结束部分更具终止性。相反，巴洛克旋律较不对称，精巧复杂，比较不容易演唱。
5、 力度与钢琴：
古典主义作曲家对于情感表达的细微差别的兴趣，导致了渐进力度的广泛使用，如渐强与渐弱。这些作曲家不把自己限制在巴洛克音乐中常用的那种极端力度的改变（从大声到小声的突然转变），渐强与渐弱的力度改变，表现出令人震惊的新鲜感。
在古典主义时期，作曲家对渐进力度的爱好，导致了钢琴取代了大键琴。钢琴家通过控制手指对琴健的压力，来控制声音的大小。虽然钢琴在1700年左右即产生，但直到1775年左右才开始取代大键琴的地位。海顿、莫扎特、贝多芬的大部分成熟作品都是为钢琴而作，而不是为大键琴、古钢琴及管风琴等巴洛克键盘乐器而写。
6、 通奏低音的消失：
通奏低音在古典主义时期被淘汰。在海顿与莫扎特的作品中，大键琴演奏者者不必再做即兴的伴奏。导致通奏低音消失的原因之一是越来越多的作品是写给业余爱乐者，而通奏低音所需要的即兴演奏技巧对他们而言有相当的难度。
概括地说，深度，高度，广度。
1，深度，古典乐派时期欧洲的政治和社会发展，作曲家对生活，情感都有更深层次的认识和体会，所有情感融入到音乐作品中，继承的巴洛克音乐的优良传统，也就成就了古典乐派音乐的辉煌，聆听古典乐派的音乐，会让人思考人生，如贝多芬的交响《命运》，莫扎特的歌剧《唐璜》，反正我听了看了，思考了。
2.高度，和声的发展越来越丰富，不知是音乐成就了贝多芬，还是贝多芬成就了音乐，贝多芬时期的和声运用以及配器手法，是前无古人后无来者的，所以古典乐派的音乐，就音乐的专业性来看，是发展到一个不可超越的高度的。如贝多芬第九交响《合唱》，是第一个把合唱加入到交响的作曲家。巴洛克时期有吗？浪漫乐派时期有吗？
3.广度，古典乐派时期，各个国家的交流更加频繁，也就为各国音乐人建立了一个相互交流的平台，更多地去感受不同的生活，所创作创作出来的音乐，自然而然，是包罗永珍的，不管是国家（海顿交响《伦敦》），还是个人（贝多芬交响《英雄》，写给拿破仑），还是家庭（莫扎特歌剧《唐璜》，写给他父亲），。。。。。时间关系，不多举例，总之是无所不包。
总结之，古典乐派的音乐三个词概括，深度、高度、广度，都是前无古人后无来者的。
纯属个人意见。
楼上的真搞笑，土耳其进行曲民族色彩强烈吗？对土耳其人民又有什么力量？瞎掰。
海顿，贝多芬，莫扎特
海顿
海顿的全部音乐作品都是反映普通人的生活，表现人淳朴的美好境界，可以用“生活风俗性”来概括。海顿的音乐作品具有结构严谨，逻辑性强，形式对称，音乐语言典雅，清新，明快，无强烈戏剧性对比风格特征。
海顿的贡献是确立了奏鸣曲交响套曲的形式结构和奏鸣曲式原则，成为MOZART，BEETHOVEN音乐创作的发源地，一生创作104首交响乐被成为“交响乐之父”，又因创作84首弦乐4重奏并使其专业化，被称为“弦乐4重奏之父”。
莫扎特
莫扎特短暂的一生共创作了四十一部交响曲，为交响曲的发展作出了重要的贡献。他在整部曲子风格统一的前景下，突出了各乐章之间的对比，增加了作品的感染力，从而达到了更高的艺术境界。莫扎特的交响曲首先吸收了他歌剧富有表情的、如歌的曲调和其戏剧对比的因素；其次在以主调和声的基础上，广泛采用了复调手法，旋律灵活，但不失巨集大的气魄，纯净而富有感染力。
贝多芬
贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心，这在当时最能激动人心。他的创作的构思之宽广，形象之巨集伟，感情之深邃，对比之鲜明，都使他偏重于采用并扩充奏鸣曲形式。他对奏鸣曲形式的处理，在音调和形象上都达到了内在的统一——他不仅在一个乐章的范围内使各个主题形成相互间的统一，而且在整个套曲的不同乐章中也是这样。他还把歌剧创作的戏剧性手法应用到他的交响乐创作中去，使交响曲成为一种深具戏剧性的器乐体裁；他把交响曲中原来的小步舞曲乐章改为诙谐曲，扩大了表现力的范围。
我也在做会考卷 这句话应该是错的吧 下面是我从百度百科里粘的关于印象主义音乐的相关内容 题目中那句话描述的应该是印象主义音乐 古典主义音乐的创作原则与风格是严谨、规整，浪漫主义音乐是注重情感的表现与 *** 的发挥。 与之相比较，印象主义音乐并不通过音乐来直接描绘实际生活中的图画， 而是更多地 德彪西 描写那些图画给我们的感觉或印象，渲染出一种神秘朦胧、若隐若现的气氛和色调。在乐曲的形式上多采用短小的、不规则的形式，以便更好地体现出印象主义音乐较为自由的特点。
古典主义音乐前是哪一种音乐风格占主导(巴洛克音乐)
巴洛克原意指形状不规则的珍珠，是一种艺术形式，由于这种艺术风格的盛行后人称之为巴洛克时期。这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代，大致为17世纪。其最早的表现在义大利为16世纪后期，而在某些地区，主要是德国和南美殖民地，则直到18世纪才在某些方面达到极盛。
古典主义歌剧 （Classical Opera）在题材上力求贴近人心，强调歌剧音乐与戏剧内容更加紧密的结合。旋律简洁明快，乐队的重要性得到重视，并去掉了“数字低音”写法。
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古典主义和浪漫主义并没有严格的界限来划分，它们之间的过渡人物显然是“集古典主义之大成，开浪漫主义之先河”的贝多芬（1770-1827）。贝多芬是18世纪末19世纪初的作曲家，在他略微之前的莫扎特，海顿等作曲家的作品都属于古典主义，他们的作品结构严谨，宗教味道较浓，浪漫主义时期，自1820年到1920年。产生的音乐家多为我们所熟悉，创作的作品被演奏的次数最多。代表音乐家：贝多芬、舒伯特、柏辽兹、肖邦、门德尔松、舒曼、威尔地、瓦格纳、比才、勃拉姆斯、柴可夫斯基、约翰．斯特劳斯、德沃夏克、圣桑等等，浪漫主义时期的作品注重抒情性，写作方法也突破原来的框架，大胆而富有想象力，管线乐队编制较以前更加扩大。自己总结的，有点乱。
这种风格的基本特征是采用主调和声织体和更简化与更“ 自然 ”的旋律（这在当时被称为“华丽风格”）。这种风格还可以包括结构的方整性，结构内部（乐章间或乐章内）的更大的对比，力度等级的渐变，节奏轮廓更加清晰，和声语汇简化，和声节奏放慢等等。在1730年前后这种新风格也出现在义大利的器乐作品中，特别是节奏复杂化和旋律装饰化的倾向在德国的情感风格的键盘乐器的作品中达到了高峰。此外，早期古典主义音乐还包括了以法国音乐为主的洛可可风格，这种高度装饰化的宫廷风格与当时的义大利和德国音乐相比带有更多的巴洛克遗风。
就是爵士乐啦！
爵士乐的起源、含义：
爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。
在众多流行音乐中，爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种，爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调"，"拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。
从17-18世纪西方殖民主义者，将大批非洲黑人贩卖到美洲，成为那里白人的奴隶之后，他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余，黑奴 们怀念故乡和亲人，常常唱一种哀歌，以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中，被看作是忧郁的色彩，这种悲哀的歌曲，也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名，如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。
爵士乐的另一个起源，是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末，一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手，创造了一种新风格的钢琴音乐：右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲，一、三拍为强拍，二、四拍为弱拍，而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时，就出现一次强音，而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏， 一、三拍为低音强拍，二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍，使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣，由于这一创造，乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。
有人说Jazz这个词，是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓"；另一种说法是：早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了，都叫他Jas,后来一传再传，就变 成了Jazz了；还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。
早期的黑人爵士乐师多不识谱，演奏时只是凭著灵感，对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多，三五个乐手经常在一起合作，时间久了，彼此之间也就自然地形成一种默契。
1923年冬天，纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温，说他想举办一次别出心裁的音乐会，其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目，就是把爵士乐和交响乐揉合在一起，格什温是一位音乐革新者，他从1924年元月开始动笔，仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦，故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue)，在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此，爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现，许多作曲家也竟相效仿，创作了许多爵士风格的音乐作品，如美国的一些音乐剧，兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等，都运用了爵士音乐的素材和节奏。
爵士乐音乐的特点：
(1)从大音阶来讲，它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音，实际上不到半音)。有时第五级(Sol)音也降半音。这些降音还常辅以滑音和颤音，因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩；由于有以上这些特点，按这种方法形成的音阶，人们称之为"布鲁斯音阶"。
(2)旋律中多用切分节奏和三连音，形成轻重音颠倒；
(3)节奏多为双拍，通常为4/4拍，也有部分是2/4拍 ；
(4)从歌词、曲调结构上讲，布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。第一句重复一遍。每段曲调12小节，每句4小节，从而形成：‖∶ A ∶‖＋B三句的固式曲式结构
(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。(Ⅳ)，因此，和声听起来很和谐，而且朴素。
其他特点因素：
爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。
爵士乐的切分节奏复杂多样，特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位，造成一种飘忽不定的游移感。
原来的4／4拍节奏经改变后变成了3／16拍。
爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶（ 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 ）来形成它的特点，有时还在布鲁斯音阶的基础上增加＃4和其他一些变化音，使其变得更加丰富多彩 。
爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多，它以七和弦为基础，并且大量的运用扩充套件音（如：9音、11音、13音）和替代和弦，有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行，使其呈现出丰富多彩的和声效果。
即兴是爵士乐手（或歌手）必练的演奏（或演唱）技巧之一 。
爵士乐的一些变化分支：
早期爵士乐
早期的爵士乐（1900—1917）曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调；有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调；还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢，但它的独奏旋律线的变音转调较多，起音不一，音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称，而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。
早期爵士乐队的设定平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器，有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中，乐队的每个成员，不仅仅是独奏者，都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作，只受和弦进行结构的限制，这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出，它就是“爵士乐”。
自由爵士
自由爵士产生于60年代，这种全新的音乐刚一出现，就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
自由爵士不同于以往爵士乐，在和声、旋律方面没有太多的限制，演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念，节拍、对称性被统统打乱，同时，它也强调音乐本身的强度与张力，加入大量的不谐和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起，采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子装置及打击乐器，因此，有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。
摇摆乐
二十年代末，美国出现大萧条，爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所，致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson（费莱切·汉德森）的大乐队，但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大乐队的成功，直到1946年大乐队时代结束为止，摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐，在演奏过程中不太注重合奏，反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础，与以前的演奏相比，这更具有冒险性。
这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴，所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。
摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统，同时也开辟了个人表演的新领域，许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。
Cool爵士
1950年，Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》，标志著Cool爵士的产
生。
Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的，音质柔和干爽。独奏中，带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥，有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势，但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑，音色更加和谐，与Bop相比，Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感，而没有Bop那么强的内在张力。
Cool爵士鼓手也更加安静，不干扰其他音色，总而言之，Cool爵士风格是节制的，“点到为止”，这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。
Fusion
二十世纪七十年代，Fusion音乐渐渐发展起来，它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣，Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴，我们现在所熟悉的Fusion音乐，其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。
Regtime
Regtime（拉格泰姆）爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律，有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓，随即强调音节，这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行，虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉，所以并不能称之为真正的爵士乐。
Bebop
“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫）。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组，还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱，这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程式是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小节的布鲁斯则演奏两次），接下来是在节奏组（一般是钢琴、低音提琴和鼓）伴奏下的几段即兴独奏叠句，再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复著全曲的和声音型（包括变化音型），以保持乐曲的结构。
具有传统非洲音乐的特色，体现了苍茫的感觉，音乐风格你去听埃及王子这部电影的插曲和电影场景就能深刻感受到了